Cartelera Cinematográfica de la semana

 

BUENOS AIRES- Estas son algunas de las propuestas cinematográficas de la semana

¡MADRE!

Si hay una película en cartel esta semana que puede llamarse polémica es esta. Llega de la mano del director Darren Aronofsky, quien es en la vida real es la pareja de su bella protagonista Jennifer Lawrence – la ganadora del Oscar por El lado luminoso de la vida-  La acompaña un nada despreciable elenco: Javier Bardem, Michelle Pfeiffer, Ed Harris,  entre otros.

Sin duda no es una película que va a pasar inadvertida. Por el contrario hasta el momento viene generando críticas que no pasan por las medias tintas. O la disfrutan o la padecen.  De hecho en el último Festival de Cine de Venecia recibió tantos aplausos como abucheos

No es muy fácil de contar de qué se trata la historia.  De hecho muchos la definen como un delirio indescriptible e  inenarrable, pero acá va un intento :

Todo ocurre en un único escenario, una mansión en medio del campo en la que vive un matrimonio compuesto por un escritor maduro  (El) en crisis creativa y su joven esposa,( Madre)  que le idolatra. Por allí empiezan a aparecer personajes de todo tipo (Hombre y Mujer)  y a pasar cosas extrañas sin mayores explicaciones y sin que nada tenga la más mínima coherencia. La idea de Arononofsky es que cada uno le dé la lectura que le venga en gana, pero para eso habría que meterse en los oscuros recovecos de su mente.

Cuando uno ve el tráiler cree que se va a encontrar con un thriller psicológico, pero dicen, los que la vieron que en realidad es una película profundamente alegórica. Esta decepción es la que se llevó gran parte del público que la fue a ver, de hecho una empresa de investigación que realiza encuestas al público y valora su experiencia con letras, comunicó que Madre! obtuvo una F, es decir, la calificación más baja que puede recibir una película por parte del público.

En cuanto a su desempeño en taquilla, la cinta recaudó tan sólo 16 millones en su primera semana de estreno, contra un presupuesto de 30.

Su director tiene un interesante currículum a la hora de hacer películas, algunas catalogadas como tremendamente  personales como «Pi, fe en el caos», «Réquiem por un sueño» o «El manantial de la vida»  que en realidad también pecan de ser incomprensibles para la mayoría de los normales pero también hizo algunas excelentes e indiscutibles como  «El luchador» o «Cisne negro».

Esta, sin duda es la más críptica de todas y la que más divide por la mitad las opiniones y dicen que es hacia los créditos finales  donde existirán muchas interpretaciones y preguntas y dónde en realidad la cinta va a cobrar verdaderamente vida.

Lo mejor sin duda es la actuación de Jennifer que tiene un poco de Mia Farrow en el Bebé de Rosemary o de Catherine Deneuve en Repulsión y que logra hacer de víctima que se deja llevar por la situación tremenda que vive, mostrando muy logradamente la idea de  desamparo y acoso.

ADIÓS QUERIDO PEP

Esta película dirigida por la uruguaya Karina Zarfino y que es su opera prima  cuenta la historia de Tres amigas que se conocieron en Barcelona en su juventud se reencuentran en Buenos Aires en el velorio del marido de una de ellas. Durante esa noche aparecerán viejos fantasmas del pasado y cada una se hará consciente de las posibilidades que se abren hacia el futuro.

El reencuentro las lleva a conectarse como nunca y a compartir algunos secretos bien guardados.

El elenco está compuesto por Facundo Arana, Mirela Payret, Florencia Raggi, Juan Palomino, Pochi Ducasse, Claudia Cantero, Mauricio Díez, Amancay Espíndola

En la película Florencia interpreta a Isabel que transita un desgastado matrimonio y una crisis casi existencial. Se va recreando situaciones entre los personajes que tienen que ver con la amistad, con el engaño y con el miedo a la muerte.

 

LEGO NINJAGO: LA PELÍCULA

Luego De “La Legopelícula” y “Batman: La Legopelícula”, llega esta tercer entrega de la franquicia Lego, que, algunos piensan que deberían ir pensando en combinar las piezas de otra manera, o en usar piezas nuevas, a la hora de construir la siguiente película

Dos son los directores y seis los guionistas para esta animación que cuenta la historia ambientada en  la ciudad de Ninjago; lo más parecido a Tokio en piezas de Lego. Allí las fuerzas del bien y el mal miden sus fuerzas a diario en las calles, ante los ojos atónitos de miles de ciudadanos. Gargamon, el malo malísimo, tiene atemorizada a toda la población bajo la firme amenaza de someterla a su control y a la infinita oscuridad. Para combatirle el Maestro Wu ha logrado reunir a un pequeño grupo de guerreros ninja, liderados por Lloyd  -también conocido como Ninja Verde-, que intentan hacerle frente.

Y bien, llegados a este punto podemos desvelar, y ni mucho es un spoiler, que la cinta basa su argumento en la relación padre e hijo que mantienen Gargamon, el malo, y Ninja Verde, el bueno. El padre intentará llevar a la lado oscuro a su hijo pero para eso está su tío, sí el Maestro Wu, para recordarle y guiarle por el buen camino. Igualmente Garmadon no será el único villano ya que también se tendrán que enfrentar a un gigantesco gato Meowthra que va a  aterrizar la ciudad.

Valiosa es la  aparición estelar al comienzo y final de la cinta del gran Jackie Chan que hará las veces de narrador y que además presta su voz al Maestro Wu en la versión original.

 

LA ESTAFA DE LOS LOGAN

Esta comedia yanky está dirigida por  Steven Soderbergh que había anunciado su retiro en 2013, pero luego se arrepintió y llega ahora a la pantalla con esta propuesta.

La  trama “trata sobre el robo a un autódromo durante una carrera de autos NASCAR” es superfluo, y engañosamente simple. La película realmente trata sobre el diálogo y el comportamiento de sus personajes, el carisma que irradian los actores, y la sensación de que se están divirtiendo.

Los protagonistas del robo son dos familias de sureños despechados. De un lado están los Logan, supuestamente malditos en su suerte: Jimmy (Channing Tatum), un obrero recientemente despedido con ganas de cobrarse una pensión millonaria, su dócil hermano Clyde (Adam Driver) y la más pícara Mellie (Riley Keough). Del otro lado están los criminales Bang, liderados por el primogénito Joe (Daniel Craig como nunca antes visto) y sus dos hermanos menores, que desconfían de los Logan porque sospechan, correctamente, que son más inteligentes.

El absurdo a veces roza la auto-parodia, como si estuviéramos viendo algo al nivel de ¿Y donde está el piloto? (Airplane!, 1980). El jefe de la prisión (Dwight Yoakam) donde está encerrado Joe Bang parece salido de esa película, por la forma orgullosa y testaruda en la que insiste en negar un crescendo de problemas siempre usando la misma excusa. Cuando los prisioneros se amotinan, su lista de demandas es demasiado absurda, pero el frente que le hace el jefe la vuelve genuina. Y está el asociado de Bang llamado El Oso, que se viste como un oso, no que la película se moleste en explicar por qué o encontrarle la gracia con chistes rebuscados. La gracia está en la pantalla.

El robo tarda en llegar y cuando termina, la película se alarga misteriosa e innecesariamente. Pero el robo en sí nunca es el foco de la historia, sino sus personajes. El humor se pone juvenil de a momentos, y la película parece genuinamente hecha con la misma inocencia con la que se comportan sus personajes. Son simpáticos y comprensibles y están modelados con cierta ternura, incluso los antagonistas y otros papeles menores.

Elenco Channing Tatum, Adam Driver, Farrah Mackenzie, Riley Keough, Daniel Craig, Katie Holmes, Charles Halford, Seth MacFarlane

 

«ZAMA»

Llega la esperada película de Lucrecia Martel que ya llevaba casi una década sin filmar y nada más y nada menos que con esta novela del mendocino Antonio Di Benedetto que cuenta la historia de este funcionario español, Diego de Zama  que aguarda y aguarda un traslado que le pide a la corona y que no llega nunca. La novela y la película registran el minucioso proceso de decadencia y derrumbe del protagonista, que progresivamente va siendo despojado de toda clase de dignidad.

La película que se rodó durante 9 semanas, llega con elogios unánimes tras su paso por los festivales de Venecia y Toronto y continuará, luego de su estreno en el país hacia Nueva York y Londres.

Martel construye a Diego de Zama como a ese héroe absurdo que vive esperando lo casi imposible ese traslado que lo aleje del puesto de frontera donde está estancado.

El papel está a cargo del mexicano Daniel Giménez Cacho

La directora llega a este punto con tres películas en su haber “La ciénaga”, “La niña santa” y “La mujer sin cabeza” y otra truncada pero ella asegura le ayudó a ésta que hoy estrena. Es que Martel quiso filmar El Eternauta de Héctor Oesterheld y ella asegura que ambos relatos aparecen en los 50 con la diferencia que uno narra un acontecimiento futuro en tanto Zama se mete en hechos del siglo XVIII

La película es una fiesta para los sentidos. Los paisajes, la fotografía, el agua, los animales, hay  perros, gallinas, llamas, niños animalizados, caballos que parecen sostener un amorío con la cámara y toda la zona del Gran Chaco a través de escenas que dan marco a la historia de Zama

Muchas prendas del vestuario están basadas en los gauchos correntinos y en los corredores chaqueños, que son los que entran a sacar baguales a lomo de mula.  Para el lenguaje en sí se desplazaron a las provincias y cosecharon tonadas, así sacaron un poco de los santiagueños, de los formoseños, hay algo de Cuyo, también se usó  el neutro que los venezolanos inventaron para las telenovelas.

Al actor mexicano lo acompañan Juan Minujín, que representa a Ventura Prieto, Daniel Veronese  que se cuelga como trofeo las orejas de Vicuña Porto y la española Lola Dueñas  que coquetea en el papel de Luciana: el resultado es un elenco de reparto armónico que permite que el personaje protagonista se destaque.

Un capítulo aparte son los extras y el trabajo del casting fue exitoso  ya que a partir de esos personajes menores y olvidados  se lograron  escenas de un demorado lirismo.

Entre los extras, los qom son mayoría y hacen rancho aparte: no se mezclan con los actores profesionales y comen con la vista clavada en el plato, son chúcaros. La decisión de afincar el rodaje en la zona del Chaco argentino trajo aparejada la exuberancia étnica que la película explota a sus anchas: allí están las comunidades qom, wichí, pilagá, chorote y mocoví.

Zama nos abre la posibilidad de pensar sobre la insatisfacción, lo que significa el fracaso. Sobre el tiempo y el misterio de la existencia. Poder identificarse con alguien que no es bueno y, no obstante, merece vivir. Eso puede generar la cualidad de perdonarse un poco el fracaso.

La película se estrena en un momento especial en el país en donde a raíz de la desaparición de Santiago Maldonado en manos de Gendarmería, en medio de un reclamo por tierras de los indios mapuches tiene dividida a la opinión pública y a la política.

En principio Lucrecia aclaró “A mí me gusta decir indios porque es una palabra que me parece que hay que reivindicar y porque cuando yo voy a ciertas comunidades a conversar y leo cartas de los años 80 a sí mismos se decían indios, después vino la boludez de decir pueblos originarios que ya es una palabra con muchísimos conflictos…

Hay que usar las palabras, torta, puto, y darle la vuelta y que sean palabras felices. Con indios hay que hacer lo mismo, urgente. Bueno, un tema que no está resuelto desde la colonia hasta ahora pasando por el glorioso 1810 es la propiedad de la tierra. Y es un tema con el que este país en particular, porque en Latinoamérica hubo intentos, en otros países, de reforma agraria, no se pueden ni meter porque este país fue dividido entre 1.700 familias que quedaron dueñas de lo que antes era la colonia. Y ya sabemos qué pasó en la Patagonia. Entonces cuando yo veo las barbaridades que se dicen cada vez que cualquier persona india se pone desafiante con el tema de la tierra que

es un okupa, es un violento, es un esto, es un otro. Todas las otras palabras, frases y acciones que se llevan a cabo como vender tierras fiscales a muy bajos precios a millonarios, como políticos que se quedan con tierras fiscales pagando muy poquito, en Salta está lleno”

Otro tema que sensibiliza y preocupa a la directora es la violencia hacia las mujeres y al respecto aseguró que hace poco sacó una escena de un corto “Rey Muerto” filmado hace unos años atrás  “saqué la escena de la violación a la esclava, la morena, que está en la novela. La saqué porque me parece que no tengo la inteligencia suficiente para tratarla y creo que por un tiempo hay que pensar muy bien cómo se filma una violación sin satisfacer las fantasías de violación de muchos… Y no digo hombres, sino personas. Y la saqué absolutamente afectada por nuestra época porque para mí es intolerable ver el cadáver de una mujer, ya no soporto ni verlo. Digamos, cada 25 horas tenemos que ver una imagen de esas y aceptar las barbaridades de cómo la prensa que se ocupa de eso vuelve a violar a la víctima con sus descripciones, con sus detalles innecesarios. Hay muchas, muchísimas notas policiales que cuando las leés decís: un pajero con esto se está divirtiendo, ¿entendés? Y otra vez la víctima, que ya está muerta, vuelve a ser sujeto de nueva violencia. Y la familia… De la misma manera que las barbaridades que se dicen de este chango, de  Santiago Maldonado. Y yo pienso ¿nadie piensa que la madre, el padre, los hermanos, están viendo? Si no te importan los mapuches y te parece una pelotudez la reivindicación indígena y todo eso, no sé, por lo menos podés tener los más mínimos sentimientos humanos de madre, hijo, padre, hermano.

Un libro en medio de la película

La escritora Selva Almada escribió un libro a instancia de los productores de Rei Cine en el tiempo que se estuvo rodando la película. El libro que habla sobre el rodaje fue titulado El mono en el remolino y alude a una escena de la ficción de Antonio Di Benedetto que luego no está recuperada en la película. “Para mí la escena del mono es una de las más poderosas que leí alguna vez, de algún modo creo que ahí está la clave de toda la novela, la clave de ese personaje. Y llamar así a mi libro –asegura la autora– es una suerte de pequeño homenaje personal, de agradecimiento por esa escena maravillosa que más que una escena es una manera: la decisión de cómo empezar un libro.

“Yo la leí hará unos diez años –dice Selva–. Me la habían regalado, la empecé y no sé por qué no me entusiasmó así que la dejé. Al tiempo un amigo me la pidió prestada, nos encontramos unas semanas después en la playa y él estaba absolutamente hipnotizado con Zama, me dijo que no podía entender que no la hubiese leído; peor: ¡que la hubiese abandonado! Su entusiasmo era tal, que apenas me la devolvió la empecé de nuevo y sí, era imposible dejarla.” En el caso de Lucrecia, la fascinación fue inmediata. La novela llegó a ella en medio de una travesía en barco remontando el río Paraná y no pudo abandonarla desde la primera línea. “¡Es que una obra maestra como Zama te deja una locura adentro! Genera una euforia loca, un deseo de crear, de poder inventar algo–asegura la directora de La ciénaga–. Zama tiene un poder de invención que genera invención. Y ese poder no lo tiene cualquier cosa.”

 

YO SOY ASI, TITA DE BUENOS AIRES

Dirigida por María Teresa Costantini y con la actuación de Mercedes Funes, Damián De Santo, Soledad Fandiño

Es una  película que rinde homenaje a Tita Merello La idea  de la película es mostrar la vida de esta mujer, su fuerza su paso por el teatro y por el cine.

Para su directora  «Es La historia de una mujer que luchó en un mundo de hombres. Montar historias de mujeres es lo que me importa. La mirada de una mujer sobre otra mujer. Es un musical, no con escenas cantadas a la manera de Chicago, pero se canta. Hay mucho teatro.  Además Tita está mostrada en todas las etapas de su vida, desde que tiene 17 años hasta los 51.

Dueña de un carácter avasallante, esta petisita que caminaba medio a lo pibe, ni muy linda ni muy fea, pero sin duda distinta, particular está encarnada por Mercedes Funes. Ella la recuerda como una mujer que no tuvo una vida de niña mimada que creció en cuna de oro. Todo lo contrario. Ella siempre hablaba de que su motor siempre fue el hambre. No buscaba ir hacia algo, buscaba salir de algo. Y así el impulso es mayor. Ese hambre la acompañó toda su vida, nunca pudo sentirse del todo satisfecha. Es hambre de cariño, de compañía, de aceptación, porque siempre estuvo muy sola. Vivió con lo justo, alguna vez durmió en la calle. Pero su mayor carencia no era económica, sino con el frío del alma, de la soledad que la persiguió toda la vida. Ella los sobrevivió a todos y, una y otra vez, se terminó quedando sola. Eso se ve claramente en la película. Los personajes de su vida le pasan, y ella sigue escapando de esa soledad. Creo que nunca lo logró», reflexiona Funes.

La película arranca con Tita viviendo en el conventillo, trabajando en el Teatro Bataclán, uno de los primeros donde trabajó. Allí mostraba las piernas, algo que en ese tiempo no era menor. «Un lugar de bajofondo, un tugurio donde se sugiere que Tita ha trabajado de prostituta, hasta que alguien la vio, que es SimónYrigoyenIriondo, interpretado en la película por Mario Pasik, que le enseñó a leer y escribir a sus 17 años. Fue la persona que le abrió la cabeza y le dijo «vos podés». Así salió del tugurio para subirse a un escenario. Empezó a encontrar a la artista, la mina que dice y razona. Era una mujer con ideas muy fuertes», cuenta Mercedes.

Costantini, cuyo padre fue funcionario del Gobierno de Perón, habla de la película como «una súper producción». No es para menos, a Tita le hicieron 35 vestuarios a medida, todos a mano. Se usaron 45 autos de epoca, y hay 800 extras lookeados a tono, 1200 metros cuadrados de realización de decorados en estudio, 30 locaciones reales entre palacios, conventillos, bares y casonas de aquel tiempo, algunas pertenecientes al barrio en qué vivió Tita. Se grabaron los temas musicales en los estudios ION con micrófonos usados por Tita para sus últimas grabaciones donde participaron 25 músicos.

También incluye una escena en la que cuenta cuando se conocieron Eva y Tita. Eva está en la piel de Soledad Fandiño que escondió sus ojos claros bajo lentes de contacto oscuro. La escena muestra una situación totalmente descontracturada de dos grandes mujeres charlando.

También se va a poder ver la historia de amor de Tita con Sandrini, que fue una pasión arrolladora en su vida.

Tita y Sandrini: Una historia de amor “Fue el único que la desdibujó, que la corrió de su eje. La transformó en otra cosa. La amansó, la adiestró, al menos eso intentó. De hecho, hubiera dejado por él su profesión. Ella decía: «Yo nunca tuve un traje blanco, no llegué, no tuve la suerte. Ni de la comunión, ni de novia. El único que me va tocar el del final, en el cajón»», cuenta Mercedes Funes.

Poseído por el personaje de Sandrini, Damián de Santo habla ese amor. «Tita me parece una hembra hermosa, que en la intimidad despliega todas sus alas, que tiene bien definida su parte femenina, así como la masculina. Es de armas tomar, tiene una energía especial. Ellos tenían una intimidad feroz, cosa que Sandrini había desconocido. Pero lo pasional se diluye con el tiempo si no suceden otras cosas, y eso fue lo que le pasó a Luis. Ella tenía una potencia que Sandrini no podía controlar. Por ahí la afinó un poquito, pero amansarla no. Luis era un gentleman, le gustaban las cosas bellas, caras, tenían orígenes antagónicos. Tita venía del barro, la pobreza. Luis tuvo una vida acomodada», explica.

Por su parte Esther Goris interpreta a la madre de Tita y asegura que «Para mí Tita es un referente, un modelo a seguir en un montón de cosas. Tuvo una libertad que era un escándalo para la época. Tiene los pies sobre la tierra, su madre, Ana, no, es una militante del entusiasmo, que tiene algo de negación de la realidad. Siente un gran amor por ella, porque vive a través de ella. «Pronto vamos a ser felices», le dice cuando están en la peor de las condiciones. Cuando Tita estaba en el orfanato. Tal vez sabe cosas de su hija, como su historia en el Bataclán, pero para ella no sabe, no se entera», comenta.

 

RE ESTRENOS POR LA SEMANA DEL CINE NACIONAL

Algunas de las películas  nacionales que se van a reestrenar  y podrán verse   (si no las viste)  o volver a verlas por solo 35 pesos son Sólo se vive una vez, de Federico Cueva, una película protagonizada por Peter Lanzani, Gérard Depardieu, Pablo Rago, la China Suárez y Santiago Segura entre otros, que cuenta la historia de un estafador ( Lanzani) de deberá asumir otra personalidad para huir de un grupo de mafiosos sanguinarios.

También, a quienes les haya quedado ganas de volver a ver a Ricardo Darín o Leonardo Sbaraglia, podrán sumergirse en el thriller ambientado en el medio de la Patagonia de Martín Hodara Nieve Negra

Como plus pueden disfrutar a Federico Luppi  y a Dolores Fonzi, como parte de este elenco que cuenta la historia de Salvador (Darín), que acusado de haber matado a su hermano durante la adolescencia vive solo en medio de un rancho en el sur.  Tras varias décadas sin verse, su hermano Marcos (Leo Sbaraglia) y su cuñada Laura,  llegan para convencerlo de vender las tierras que comparten por herencia.

La China Suárez se podrá ver en otra película estos días de promoción es el caso de Los Padecientes, estrenada hace poco pero de vuelta en cartel en esta oportunidad. Dirigida por Nicolás Tuozzo y inspirada en la novela de Gabriel Rolón comparte elenco con Benjamín Vicuña, Nicolás Francella, Pablo Rago, Luis Machín, Osmar Nuñez  y Justina Bustos.

En ella Pablo Rouviot (Vicuña), un reconocido psicoanalista que recibe el pedido de ayuda de Paula Vanussi (Suárez) que quiere demostrar que su hermano Javier (Nicolás Francella) es inocente del delito de que se lo acusa: el asesinato de su padre, un poderoso empresario. Pablo comprueba la inimputabilidad de Javier por los trastornos psiquiátricos que padece y comienza a recomponer la trama siniestra de una historia familiar cargada de violencia y zonas oscuras

Si lo que querés hacer es reírte  una reposición muy aplaudida estos días va a ser sin duda Casi Leyendas  donde el magnífico trabajo de Diego Peretti es igualado por un Santiago Segura en un personaje brillante. Gabriel Nesci dirige al grupo de actores que completa Diego Torres, Claudia Fontán y Florencia Bertotti,  Cuenta la historia de tres amigos distanciados se van a ver obligados a reunirse muy a su pesar. Axel (Santiago Segura), un español muy particular, decide emprender la búsqueda de sus ex compañeros en Buenos Aires. Hace 25 años formaron un grupo musical que estuvo a punto de ser famoso pero por misteriosas razones nunca lo logró. Ahora Axel va a tener que reencontrarse con Javier (Diego Peretti), un profesor que no logra comunicarse con su hijo adolescente, y Lucas (Diego Torres), un abogado presumido que pierde su trabajo de un día para el otro. Los espera un doble desafío: ser la banda que siempre soñaron y como si fuese poco solucionar sus calamitosas vidas.

 

 

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